Públicas Vs Privadas O de cómo queremos educar a nuestros hijos

Actualmente hay una gran controversia acerca de la convivencia entre escuelas públicas y privadas y la libertad de los padres de elegir el tipo de centro, y por tanto de educación, que quieren para sus hijos. Para asegurar que esta elección sea posible para todo el mundo, en países como Suecia se lleva a cabo un sistema de bonos escolares (vouchers) que proporciona el estado y que permite afrontar los gastos escolares, ya sean privados o públicos. Los defensores de este sistema plantean que mejora la eficiencia de las escuelas, públicas y privadas, al tener que competir entre ellas por los alumnos. Los detractores afirman que al tener menos alumnos las escuelas públicas, también reduciría el gasto que se invertiría en ellas y por lo tanto se deterioraría la calidad de la educación que pueden ofrecer. El problema es que esta elección se lleva a cabo a través de la imagen que los padres tienen de unas u otras escuelas, y esta imagen está muy degradada en el caso de las escuelas públicas. A menudo podemos ver titulares como este: "Sólo cuatro institutos (públicos) entre los 50 mejores centros de la Selectividad del año 2010", en el que podemos ver que los resultados en selectividad de los alumnos de institutos públicos de la comunidad de Madrid están 6 décimas por debajo de los de la privada.

Es más alta, sí, pero no parece una diferencia muy notable si tenemos en cuenta las diferencias socioeconómicas de los alumnos de unas y otras. En el Informe PISA de 2009 se hace especial hincapié en estudiar la repercusión de las condiciones externas a la escuela (nivel de ingresos, nivel de estudios de los padres...) en el resultado académico de los niños. Aunque dicen que esta repercusión no es muy significativa, los resultados que se muestran parecen decir todo lo contrario. Tomemos como indicativo, por ejemplo, el nivel de estudios de los padres:

Es más que evidente la estrecha relación que se da entre ambas variables. En este artículo, se analizan las diferencias socioeconómicas y académicas del
alumnado de los centros públicos y privados de la Comunidad Autónoma
de Aragón. En él se encuestó alrededor del 80% de los alumnos matriculados en 2º de bachillerato en la Comunidad de Aragón, por lo que nos da una visión bastante cercana a la realidad. Volvemos a tomar el nivel de estudios de los padres como indicador para ver ahora la diferencia que existe entre los instituos públicos y privados:

Si los resultados de los alumnos dependen (no exclusivamente, pero como hemos podido ver es un factor importante) del nivel sociocultural de sus familias, y éste es más alto en el caso de los centros privados, es lógico que la media de los resultados de los centros privados sean más altas que la de los centros públicos. Para que estos resultados fueran significativos, habría que realizarlos entre alumnos de centros públicos y privados con el mismo nivel sociocultural. Hay que tener en cuenta que en los centros privados no tienen que lidiar con alumnos en riesgo de exclusión social, inmigrantes que apenas se defienden con el idioma o que vienen de sistemas educativos totalmente distintos. Además, en la escuela pública tenemos la certeza de que los profesores han sido seleccionados por el sistema de oposiciones.

Otro tema a tener en cuenta es que todas estas comparaciones y mediciones de los resultados de los centros se hacen en base, casi esclusivamente, a la comprensión lectora y las habilidades en matemáticas de los alumnos. Aquí vuelvo a hacer referencia a la anterior entrada acerca de las inteligencias múltiples. No estamos teniendo en cuenta cómo afectan los centros públicos y privados a los niños en otras cuestiones que también deben tratarse en la escuela y que, al menos en la pública, se tratan de asimilar como son las destrezas sociales, el conocimiento y el cuidado del entorno y la naturaleza, etc. En concreto en el tema de las relaciones sociales, los niños en un centro público se mueven en un entorno social más "real". Allí se encuentran niños de todos los niveles sociales, procedencias... y de esa forma es un reflejo más fiel de la sociedad. Se educan los niños en un clima de igualdad, en lugar de hacerlo en base a una segregación elitista.

El mes pasado tuvo lugar en la Fundación Ortega y Gasset-Gregorio Marañón el Primer congreso sobre Educación y Políticas educativas en España.En el blog nada es gratis podemos ver las notas que tomó Antonio Cabrales en el mismo. Aquí se hace referencia a cuatro sistemas educativos que han seleccionado como los de mayor éxito. Entre ellos, nos quedamos con el de Finlandia y el de Suecia (por mayor afinidad cultural, ya que los otros dos son los de Singapur y Corea del Sur y ya entramos en paradigmas culturales radicalmente distintos al nuestro). Uno de ellos, el de Finlandia, está basado en un sistema de escuelas públicas municipales. Además, otros factores que nombran son la independencia de los profesores y las escuelas,una alta valoración social y formación de los profesores y la intervención en edades tempranas para evitar las diferencias en el futuro rendimiento y aprendizaje de los niños. En este tema parece haber unanimidad, esperemos que se tenga en cuenta a la hora de tomar medidas políticas.

Por otro lado el sistema sueco es el llamado sistema de escuela libre (del que hablábamos al principio de esta entrada). Los padres disponen del sistema de vouchers para elegir a qué tipo de escuela quieren llevar a sus hijos, pero también pueden elegir a qué escuela pública quieren llevarlos. También aquí se vuelve a hacer alusión a la autonomía de los centros. Y así, habiendo competencia en pie de igualdad entre escuelas públicas y privadas, sólo un 10% de las escuelas suecas son privadas, un porcentaje mucho menor del que se da en España. Lucía Fígar, la Consejera de Educación de la Comunidad de Madrid, en un meeting anual del grupo católico ultraconservador Comunión y Liberación, decía orgullosa que: "hoy en día la proporción entre escuela pública, concertada y privada es esta: la escuela pública representa el 52% en nuestra región, la Comunidad de Madrid, la escuela concertada el 33% y la escuela al 100% completamente privada cerca del 15%.Dentro de estos centros, entre comillas, “concertados”, más de 2/3 ofrecen educación católica." Habría que preguntarse porqué en un estado en el que las escuelas públicas y privadas compiten en las mismas condiciones por los alumnos, sólo hay un 10% de escuelas privadas, y en España (aunque no es tan alto como el de la Comunidad de Madrid) este porcentaje es mucho más alto. La solución puede estar o bien en la inversión que desde el estado se hace en una u otra, o en la administración que de ella se hace, sucediéndose numerosos planes educativos, con una media de uno por cambio de gobierno...y que responden más a cuestiones políticas que educativas.

En definitiva, creo que es más que evidente que hay que defender la enseñanza pública, invertir en ella y mejorarla, y, sobre todo, darle es estatus y el reconocimiento que se merece, para que, ya que los niños van a tener que competir en el futuro, que puedan hacerlo en las mismas condiciones.

Estudios Artísticos Nuevos parámetros para el programa didáctico de una facultad de Bellas artes

Con el cambio de plan esperábamos que hubiera una remodelación real de los estudios de Bellas Artes, que se actualizaran las materias y el enfoque (seguíamos con el plan de los 80), pero desgraciadamente parece que las cosas se están haciendo rápido, y por salir del paso nos quedamos con el mismo perro con distinto collar. Este es el nuevo plan que se está implantando en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla y éste era el plan antiguo. Podemos ver cómo las asignaturas son prácticamente las mismas, puede que los nombres hayan cambiado pero tengo la certeza de que las materias siguen siendo las mismas. Me sorprende la poquísima presencia que tiene el diseño, cuando en realidad en mi opinión lo que habría que hacer es crear otro grado sólo de diseño, como el que se ha creado de restauración, para atender a las demandas reales de los estudiantes, que a menudo realizan aquí los primeros cursos para acabar la especialidad de diseño fuera, por la falta de oferta de asignaturas de esa rama en nuestra facultad. Por otro lado vemos que se mantiene un curriculum cerrado con asignaturas obligatorias hasta tercer curso, entre las cuales podemos ver que prácticamente son: dibujo, pintura y escultura. No cuento más de tres asignaturas cuatrimestrales teóricas. Javi nos preguntaba, al proponernos esta entrada, si creíamos que los estudios de bellas artes deberían ser estudios universitarios. Así, desde luego, no. No existen apenas asignaturas en las que haya un ambiente de debate, de crítica y de reflexión teórica (hay algunas en las que sí, muy pocas, y hay que tener la suerte de dar con el profesor adecuado). La diferencia que encuentro entre entre nuestros estudios, y los de formación profesional es que nosotros estamos dos años más.

Sí creo que los estudios artísticos deben incluirse entre los estudios universitarios, es más, incluiría y normalizaría los estudios musicales, de arte dramático y de danza también. Esto puede tener sus pros y sus contras. Como pros, burocráticamente es más beneficioso, ya que se otorga a los egresados un título homologado y tan válido como los del resto de ramas de conocimiento y sitúa el arte como materia de estudios universitarios. Como contra, que al estar dentro del sistema universitario, la educación está sujeta a una serie de parámetros establecidos tales como evaluaciones, asignaturas, departamentos... que en el caso de los estudios artísticos pueden ser cuestionables.
En cualquier caso, el hecho de que los estudios artísticos se impartan como titulaciones universitarias no tiene por qué constituir un obstáculo para que se impartan estudios artísticos de otra índole y con otro enfoque, sino que aumenta la oferta, a la vez que los hace accesibles a todo el mundo mediante la universidad pública.

Mi propuesta para reformar el plan de estudios es muy similar a lo que ya se está haciendo en la mayoría de las universidades europeas. Cuatro cursos, un primer curso en el que el alumno tenga contacto con el mundo del arte con la mayor amplitud posible. Con asignaturas prácticas: Dibujo y pintura, Escultura e instalación, Fotografía y vídeo, Performance y Nuevos medios; y asignaturas teóricas: Historia del arte y teoría del arte. A partir de segundo, el alumno podría elegir entre un abanico de asignaturas para crear su propio curriculum. Se podrían proponer distintas ramas, pero que no fuesen cerradas, sólo de forma orientativa. También elegiría un tutor cada curso, que sería quien le guiaría de forma transversal en el desarrollo de su propio proyecto artístico, que se llevaría a la práctica mediante las diferentes asignaturas o talleres. Es importante también que el alumno disponga de un lugar de trabajo en la facultad. Esto puede parecer que está a años luz de la realidad, pero ya se está haciendo en muchas universidades europeas. El hecho de trabajar en la universidad, crear un ambiente de trabajo junto a los compañeros y los profesores es de lo más enriquecedor que podemos llevarnos de nuestro paso por la carrera. Otro tema por el que apuesta el nuevo modelo de los grados, pero que en nuestra facultad se está obviando es el trabajo en grupo. Las formas de creación y producción actuales en cualquier campo pasan por un trabajo colaborativo e interdisciplinar. Acabemos de una vez con el mito del artista solitario, encerrado en su estudio y celoso de todo.

En cuanto a las asignaturas y los profesores hay dos carencias principales que en mi opinión habría que suplir urgentemente: la teoría y la endogamia. Hace falta mucha más carga teórica, más reflexión, más historia. Y hace falta más ofertas de asignaturas, más variedad, salir de una vez por todas del dibujo, la escultura y la pintura (no digo abandonarlos, pero si enriquecerlos con otras posibilidades). Y para eso hace falta que el cuerpo de profesores sea también interdisciplinar. Para ofrecer asignaturas como: nuevos medios, videocreación, estética, dibujo técnico, diseño 3D, ilustración... hacen falta profesionales que provengan de esos campos (informática, comunicación audiovisual, filosofía, arquitectura, diseño industrial...).

En definitiva, una universidad que esté en relación con la sociedad, con los cambios y las necesidades de ésta, y con el mundo del arte contemporáneo. Una universidad en la que poder desarrollar nuestros propios proyectos, con la ayuda de profesionales. Sobre todo teniendo en cuenta que nuestra materia de estudio, el arte, como producto cultural, está en continuo cambio. A nadie se le ocurre pensar que en las facultades de ingeniería trabajen en base al modelo atómico de Thomson, ignorando todos los avances posteriores. ¿Por qué nosotros sí lo hacemos?

Las inteligencias múltiples y la creatividad Howard Gardner y Ken Robinson. Un giro al enfoque educativo

Hace más de dos décadas, Howard Gardner revolucionó la psicología con su teoría de las inteligencias múltiples.
Este año ha recibido el premio Píncipe de Asturias a las Ciencias Sociales, y aprovechando la ocasión se grabó: De las inteligencias múltiples a la educación personalizada, un programa de Redes en el que Eduard Punset y Gardner conversaron acerca de las inteligencias múltiples, las nuevas tecnologías y el surgimiento de una manera nueva y personalizada de educar a los niños. En él hablan de que su trabajo "repercutió en la mejora del sistema educativo" pero esto es, en gran medida falso, ya que podemos ver cómo después de dos décadas desde que se reivindicara la validez y necesidad de los distintos tipos de inteligencia, en los modelos educativos actuales se siguen reconociendo y dando prioridad sólo a la inteligencia lingüística y lógico-matemática. Como ejemplo podemos ver las soluciones que hace un par de meses proponía Ana Mato, directora de campaña del PP en la entrevista de la radio nacional, cuando le preguntaron acerca de las reformas educativas: "que aprendan matemáticas y lengua para superar el fracaso escolar". En lugar de buscar el motivo de este fracaso nos limitamos a repetir los mismos errores.

Ken Robinson, otro experto a nivel mundial en materia de educación, habla también en Redes acerca de la creatividad, y de la necesidad de estimular los procesos creativos de los niños desde la escuela. Todos tenemos la capacidad de ser creativos, dice, es un proceso material en el que hay que adquirir destrezas y hábitos. Hay que manejar el medio, sugerir hipótesis y ser críticos. Se puede aprender a ser creativos como se puede aprender a leer.
En su libro El elemento explica que todos tenemos talentos, y podemos ser creativos, lo que tenemos que hacer es encontrar el campo en el que nos sintamos a gusto, aquéllo que nos interesa y que entendemos de forma natural, "nuestro elemento" como él lo llama. El segundo factor es la pasión. Ken Robinson reclama la necesidad de que existan entornos diversos en los que cada uno pueda encontrar el campo en el que desarrollar su creatividad, y este desarrollo debería iniciarse en la escuela. Si somos capaces de apreciar las habilidades y las inteligencias de los niños podremos guiarles dentro de su propio proceso de aprendizaje, estimulando así su interés y su creatividad. Cambiar el modelo educativo de un proceso de acumulación y repetición a un modelo a investigación y creación.

La Clase Una inmersión en los conflictos en la educación publica

Ganadora de la Palma de Oro del Festival de Cannes en 2007, Entre les murs (título original de la película, dirigida por Laurent Cantet) se introduce en la vida cotidiana de un instituto de un barrio conflictivo de París para analizar cómo se comporta el sistema educativo ante la nueva realidad social y multicultural.

Está rodada casi como un documental, con una cámara que se mueve, como si estuviera grabado a mano y con apenas dos tipos de planos: los que suceden dentro de la clase (en los que predominan los primero planos, directos, cercanos, para reforzar la expresividad de los personajes) y los planos del recreo, grabados desde lejos, como si se tratara de una cámara oculta. De esta forma el director parece querer hacernos partícipes directamente de la realidad, sin adulterarla, sin juicios de valor ni moralejas. “Nada que ver con las pomposas y relamidas ficciones de aulas violentas que tanto se prodigan en el cine USA esbozando solemnes lecturas universales de carácter sociológico” (20 minutos)

Está basada en el libro "Entre les murs" del profesor y escritor François Bégaudeau quien aparece en la cinta en el papel del profesor. Los alumnos tampoco son actores profesionales, sino que prácticamente se interpretan así mismos.
Tampoco hay música que edulcore o intensifique las situaciones, sino que podemos oír el continuo ruido de fondo; no hay actuaciones exageradas, ni un hilo argumental definido, con principio, nudo y desenlace.
Lo que se muestra en la película es el día a día de un curso académico, en el que François, el profesor de lengua, lucha por enseñar su materia a los alumnos. Es una batalla constante, acentuada por el fuerte carácter multicultural de la clase. Hay una situación general de extrañeza y desarraigo hacia la materia, hacia el profesor y hacia ellos mismos.
François intenta acercarse a los alumnos, manteniendo un equilibrio entre la confianza y la disciplina, aunque a menudo utiliza un lenguaje que les es totalmente ajeno. Hay un enfrentamiento continuo entre profesor y alumnos, ya que estos ven al primero como alguien opuesto a ellos, alguien totalmente fuera de su mundo.
De igual forma ven los contenidos que estudian, aislados, distintos a ellos y alejados de sus vidas (por ejemplo hay una escena en la que se quejan porque tienen que aprender el subjuntivo, y dicen que “ya nadie habla así”)
Hay que resaltar que en toda la película no hay ninguna presencia ni alusión a ningún tipo de enseñanza artística.

Tal y como está estructurada la enseñanza primaria y secundaria, nos dedicamos a acumular y memorizar datos durante años. Datos aislados, diferenciados por asignaturas y materias. Si estos datos no se relacionan entre si y se razonan para formar la base de un conocimiento sólido, terminan por olvidarse por desuso. Hace falta en mi opinión un tipo de aprendizaje más transversal y experimental, en el que el niño adquiera un interés por aprender. El simple hecho de memorizar datos por repetición para después volcarlos en un examen con el único fin de conseguir una buena calificación, es un proceso aislado, presente sólo en el mundo académico y que no es garantía de un futuro éxito, ya sea profesional o social.
Es necesario que el niño entienda que el aprendizaje no es una imposición externa ajena a él y casi un castigo, sino una parte muy importante de su vida con la que debe disfrutar. Para ello es necesaria una educación más transversal en la que, en lugar de estudiar contenidos aislados, se de más importancia a la relación entre ellos (y más si tenemos en cuenta la situación en la que vivimos, en la que, gracias a Internet, los datos están al alcance de todos) y al propio proceso de aprendizaje como construcción de un conocimiento general y autónomo. Es importante en este sentido restar importancia a las calificaciones, ya que hacen que el proceso de aprendizaje sea visto como un simple medio para un fin, en lugar de cómo fin en sí mismo. En este campo podrían desempeñar una importante función las enseñanzas artísticas, potenciando los intereses y las habilidades propias de los alumnos (como sucede en la película, cuando François anima a Souleyman a hacer su autorretrato mediante fotografía, en lugar de escribirlo).

¿Qué tienes debajo del sombrero? Todo un mundo atrapado en el silencio

Durante 18 años, la escultora norteamericana Judith Scott (Columbus, 1943 – 2005) ha desarrollado esta serie de esculturas en las que va atando y acumulando todo tipo de objetos que encuentra o, incluso, sustrae, y los envuelve con telas, lanas, y cualquier material que pueda romper y convertir en tiras. De forma obsesiva va atando, anudando y envolviendo todo este mundo de objetos hasta que quedan ocultos, escondidos, dejándose entrever algunas partes o adivinándose solo por su silueta. El resultado son unas obras emocionantes y totalmente conmovedoras. Unas piezas orgánicas, vivas, intensas pero también delicadas, de una intimidad y una calidez que derivan necesariamente de su proceso creativo. Su obra es, sin duda, reflejo de su carácter. Sensible e inquieta en su interior, a la vez que silenciosa y aislada del mundo debido a que es sordomuda y tiene Síndrome de Down.

La película ¿Qué tienes debajo del sombrero? (2006, dirigida por Lola Barrera e Iñaqui Peñafiel y producida por Julio Medem) nos acerca a la vida y la obra de esta peculiar artista.

Después de 36 años separada de su familia, internada en centros para discapacitados mentales (en los que ni siquiera habían diagnosticado que era sordomuda, por lo que no aprendió le lenguaje de signos, ni a leer y escribir), en 1986, su hermana gemela Joyce consiguió su custodia y volvieron a reencontrarse. Desde entonces acude a Creative Growth, un centro artístico para personas con discapacidades mentales. Allí estuvo varios años haciendo garabatos de forma compulsiva hasta que en 1987 una de las artistas que colabora con el centro le ofreció unas madejas y unos palos de madera. A partir de entonces Judith empezó a tejer su propio mundo de objetos, y a crear su propio lenguaje creativo, encontrado así una forma de expresarse y de exteriorizar sus impulsos.

Igual que Judith, muchos otros artistas del centro han encontrado en el arte una forma de relacionarse con su entorno y una actividad para su propio desarrollo.

Carl Hendrickson

Dan Miller

Donald Mitchell

Normalmente se suele designar a esos artistas como artistas outsiders, entendiendo que no están influenciados por el mundo o el mercado del arte (aún cuando la obra de Judith la podemos encontrar en colecciones como la del Museo de Arte Moderno de San Francisco, la Collección L’Art Brut, en Suiza… y en 2006 fue expuesta en una colectiva en la Gladstone Gallery, Nueva York).

Las diferencias entre el arte outsider y el arte convencional son un tanto ambiguas. Se entiende por artista outsider “aquel que desarrolla su labor creativa sin contacto alguno con las instituciones artísticas establecidas, respondiendo a una fuerte motivación intrínseca y haciendo uso frecuentemente de materiales y técnicas inéditos”. Dado el momento de mestizaje, posibilidades y “todo vale” artístico en el que nos encontramos, esta definición empieza a carecer de sentido. Sin duda cualquiera de estas obras podría pasar desapercibida en cualquier galería o museo de arte contemporáneo, sin que hubiera ningún indicio de ese supuesto carácter “outsider”. Además si entendemos el arte como una manifestación cultural, estará siempre, en mayor o menor medida, influenciada por nuestro entorno, como cualquier otra actividad humana.

Tal vez estos artistas no tengan conciencia de que estén creando arte (o tal vez sí), pero esto no hace que deje de serlo; por el contrario, lo hace más real. El hecho de que su proceso creativo no tenga un fin artístico, sino que sea un fin en sí mismo, una forma de volcar sus inquietudes, de relacionarse con el exterior e interactuar con el mundo, lo hace, desde mi punto de vista, más valioso en sí mismo que las propias obras. El arte como experiencia. De hecho me pregunto hasta qué punto es positivo o negativo considerar estos objetos o experiencias como artísticos. Tal vez sea frivolizarlos, incluirlos en un mundo de especulación, de firmas (en el documental podemos ver como los “curadores” o comisarios de arte acuden al centro para ver y seleccionar las obras y los artistas que quieren exponer y muestran un especial interés en que firmen sus obras), de marcas, de personajes…el propio “artista” que sale al final del video en una exposición del Creative Growth se ve abrumado por la contundencia y la sinceridad radical que albergan las obras allí expuestas.

Enlaces:
Entrevista a Lola Barrera.
Debajo del sombrero. Centro de arte y desarrollo de procesos creativos.

Los conceptos son limitaciones Aproximación a una deficinicón del arte

Definición plástica del arte
Montaje digital

Mercedes Pimiento

Los conceptos son limitaciones. La herramienta fundamental de la razón y de la cultura es el lenguaje. Gracias a él nos relacionamos, aprendemos y construimos nuestra sociedad. Pero a través del lenguaje no podemos representar la realidad tal y como es, necesitamos ponerle fronteras, hacer particiones y extraer de la pluralidad lo que pensamos que es la unidad, la esencia de las cosas. Creamos conceptos. Estos conceptos se expresan a través de palabras y, a menudo, un mismo concepto puede expresarse mediante múltiples palabras. Distintos significantes para un mismo significado. Cada una de estas palabras va adquiriendo ciertos significados connotativos. De esta forma, en cada uno de estos pasos, nos vamos alejando cada vez más de la realidad que queremos representar, del referente. Nietzsche, al afirmar que la vida no es accesible a la comprensión intelectual, sino mediante los sentidos y la intuición, que penetra en la esencia de las cosas, defiende que “el arte y la poesía son el medio a través del cual aprehendemos la esencia originaria y profunda del mundo”.

Sería un error intentar limitar un fenómeno tan libre y dispar como es el fenómeno artístico encerrándolo en un solo concepto.
A continuación pasamos, sin embargo, a tratar de analizar algunas de las características y rasgos atribuibles a la actividad artística, en sus múltiples manifestaciones.

El arte es, entre otras cosas, lo que hace que el hombre sea hombre. Es la capacidad de trascender la realidad. Es una forma de relacionarse con el mundo. Está estrechamente relacionado con la percepción y la representación de la realidad y de la propia vida. El arte no es la expresión de lo sublime, sino la afirmación de la vida, de la propia naturaleza humana.

Este sentido de lo trascendente se ha visto a lo largo de la historia eclipsado por la religión y el misticismo. El arte no debe buscar una trascendencia de naturaleza distinta y superior a la vida, el arte es lo que hace trascendente a la propia vida. La diferencia entre el arte y la religión o el mito, es que el arte es una forma individual (aunque, como cualquier otra faceta de la vida humana esté influida necesariamente por el contexto sociocultural) de trascender lo inmediato, de percibir y dar significado a las percepciones. La religión y el mito establecen unos criterios como determinado y comunes y los dogmatizan creando alrededor de ellos toda una serie de parafernalia innecesaria.

El arte podría compararse con la lógica. La lógica es un rasgo inherente a nuestra forma de razonamiento. Ante la multitud de acontecimientos caóticos que percibimos, nuestra mente los ordena, los clasifica según el espacio y el tiempo, y la causa y el efecto. La lógica es parte de nuestra percepción, de la forma en la que representamos y concebimos la realidad y, por lo tanto, está presente en cualquier campo de la vida humana. Sin embargo, la hemos aislado, la hemos sacado de la realidad para estudiarla en profundidad.
De igual forma, la sensibilidad, o la capacidad artística es algo inherente a la mente humana. Cualquier persona, sin necesidad de conocer los principios de la lógica, es capaz de entender una afirmación del tipo si A entonces B, esto se debe a que ésta es la forma en la que se comporta nuestro razonamiento, de forma natural. Lo mismo sucede con el arte. Aunque lo hayamos separado de la vida cotidiana y estudiado y practicado de forma aislada, su raíz y su fundamento es un rasgo común de nuestra psique. El arte es una actividad transversal que está presente, en mayor o menor medida, en toda la experiencia vital del ser humano.

El arte es una experiencia, y tiene sentido en la medida en que se experimenta. Esta experiencia la podríamos clasificar en dos momentos. El primero sería el momento en el que el emisor (no lo llamaremos artista) concibe y crea la obra. El segundo, cuando el receptor la percibe y la experimenta. Esto no significa que el arte sea un lenguaje, ya que en este caso la presencia del receptor es prescindible. El segundo momento es necesariamente posterior en el tiempo al primero y, por lo tanto, es imposible que pueda ser condición sine qua non del anterior.

Una vez hemos planteado esta serie de afirmaciones, podemos, sin duda, establecer que el arte no es una actividad restringida a un grupo de personas, a las que, por uno u otro motivo hemos denominado artistas. Hay personas que se dedican al arte, y viven de ello, y personas que no. De igual forma que hay personas que se dedican a la matemática, y eso no significa que el resto dejemos de usarla en nuestra vida diaria.

Ahora bien, un tema es el arte, y otro muy distinto es el mundo del arte o, más bien, mercado del arte. En mi opinión se confunden demasiado a menudo. El mercado es mercado, es oferta y demanda. El precio no denota el valor. La obra se compra y se vende, se revaloriza, su precio fluctúa, aunque ésta siga siendo la misma. El arte es una inversión, a mi juicio bastante segura (cuando hablamos del mundo del arte a gran escala), ya que el simple hecho de que una gran institución, galería o coleccionista invierta en una obra, hace que ésta se revalorice automáticamente. Hasta el siglo pasado, este mercado era bastante estable, no muy distinto de cualquier otro campo. Había artistas, que confeccionaban obras, que podían medirse en base a unos criterios más o menos establecidos y aceptados. Pero aparecieron varios factores que hicieron que estos principios de tambalearan.

A mediados del siglo pasado, aparecen nuevas formas de expresión artística como la performance o el land art. La obra ya no era un objeto valioso y duradero que poder tasar. Los artistas intentaron acabar con el sistema, o al menos, ponerlo en duda. La obra podía ser una acción, que se llevara a cabo en un momento determinado, sin posibilidad de perdurar en el tiempo y, por lo tanto, de ser adquirida, o bien un objeto cualquiera, sacado de la naturaleza, efímero, como una escultura hecha con nieve, o un camino trazado en la hierba. Otros artistas empiezan a romper las barreras entre el arte y la realidad, entre arte y vida cotidiana. Desde que Duchamp pusiera el orinal en la peana, son numerosos os artistas que han incorporado la realidad a su obra, o han convertido la realidad en obra, o la obra en realidad. De esta forma se ha desmitificado el valor del arte, el valor como objeto de consumo, a la vez que se revaloriza el arte como experiencia y nada más.

Por otro lado ya no existen unos criterios comunes en base a los cuales valorar las obras. La belleza se relativiza, se rechaza o simplemente se ignora. La técnica pasa a un segundo o tercer plano, en algunos casos, en otros no. El significado es ambiguo. Todo tiene cabida una vez nos abandonamos a la posmodernidad. La diferencia que marca la posmodernidad es que ahora somos conscientes de que la verdad es relativa. Antes se había tenido la religión como dogma, después la ciencia, ahora el dogma es el convenio social. La verdad siempre había sido relativa, (la religión o la ciencia se impusieron como verdades absolutas por convención social) la diferencia es que ahora somos conscientes de ello, y eso desconcierta. El arte, que actúa como avanzadilla intelectual ya que no tiene ningún tipo de responsabilidad social o política, ha llevado este idea a sus máximas consecuencias.

Además, el arte se va convirtiendo cada vez más en una actividad reservada a una élite. La educación artística se queda anclada en una tradición estética convencional, mientras que la evolución en el mundo del arte contemporáneo se lleva a cabo a pasos agigantados. Se abre así una profunda brecha entre el mundo del arte y la sociedad.

Si recapitulamos podemos ver que durante la segunda mitad del siglo pasado estuvieron a punto de desaparecer tanto la obra, como los criteros o los cánones, como el público. Sin embargo, como se ha dicho al principio de este epígrafe, el arte es una inversión, y está estrechamente relacionado con el poder y el mercado. El arte además de producir beneficios económicos, es un criterio de excelencia, de prestigio. De esta forma, aunque se hayan cuestionado los principios del mundo y del mercado artístico, éste se mantiene. Las performance se graban en vídeo, las obras de land art se fotografían, se venden las ideas, los derechos de imagen y de autor, y con eso se mantiene vivo el comercio. Se mantiene alejado del público y el “todo vale” pasa a ser “todo lo que la institución diga o todo aquello en lo que se invierta, vale”.

Y en esta coyuntura nos encontramos atascados desde hace aproximadamente medio siglo. Esto puede parecer una visión un tanto pesimista o crítica del mundo del arte, pero, como se ha dicho ya antes, una cosa es el arte, y otra, para qué se utiliza. Y vuelvo a hacer referencia a la analogía entre arte y lógica. Aunque la lógica desapareciera de las universidades, y dejara de considerarse materia de estudio, seguiríamos percibiendo el mundo espaciotemporalmente, y ordenando nuestros pensamientos en base a causas y efectos. De igual forma, aunque el mundo del arte se ponga en cuestión, la actividad artística seguirá formando parte de nuestra condición humana.

iPhone therefore I am

Iphone therefore I am

Montaje digital

Mercedes Pimiento

Obra basada en la artista norteamericana Barbara Kruger

Eneko

Esta imagen, aparentemente tan simple, encierra una multiplicidad de posibles interpretaciones y, por lo tanto, de posibles significados.

En una primera lectura podemos distinguir un marco, de aspecto tradicional, que encierra una superficie negra franqueada por dos barras, una de las cuales está rota.

No sabemos si el marco hace referencia a una concepción de arte tradicional, el arte como hasta el siglo pasado se ha venido ejecutando, o a una noción general de arte.
De igual forma no sabemos si el área negra es un plano, o bien un espacio, vacío u oscuro.

Las barras podrían representar algún tipo de retención, de imposición, o bien una protección frente a lo externo.

De una forma casi inconsciente, al ver la imagen reconstruyo en mi mente la historia del arte, en la que éste se ha ido cerrando en sí mismo, y construyéndose sus propiar reglas, sus propias limitaciones, a la vez que ha buscado siempre una vía de escape, una alternativa, y ha tenido la opción, o casi la necesidad, de transgredir sus propias leyes. En este caso podría ser que la pintura hubiera roto las limitaciones del cuadro y hubiese salido fuera de él, dejando tras de sí un espacio vacío y unas restricciones ya superadas.

El arte se escapa de la cárcel del museo.

Bienvenida

Bienvenidos a mi cuaderno de pedagogía.
En este blog se irán publicando todas las reflexiones, comentarios y actividades que vayamos realizando en la asignatura de Pedagogía de Arte (4º curso, Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla), así como todo el material relacionado con la asignatura.
La idea es que es to se convierta en un espacio de reflexión, acerca de todo lo que envuelve al arte y la educación (este es un saco lo suficientemente amplio como para dar cabida a todo tipo de temas: sociedad, política, mercado, filosofía...). Por lo tanto, estáis todos invitados a participar, para así enriquecer este proyecto.